37 ans après sa création à Versailles, la mise en scène de Giorgio Strehler est reprise à l'opéra Bastille, servie par une distribution réjouissante, sous la direction bien maîtrisée de Philippe Jordan.

On aurait pu s'attendre à un public un peu plus nombreux pour cette première à Bastille mais il y avait quelques rangs vides au lever de rideau. Certains sièges ont finalement été occupés au précipiter de la fin du Ier acte par des retardataires qui n'ont, en fait, pas raté grand chose. En effet, le premier acte a soulevé bien des inquiétudes. Après une ouverture bien exécutée mais menée sans enjouement, les premiers airs se sont avérés bien bancales. Les chanteurs ne semblaient pas très en voix et avaient du mal à passer un orchestre, peut-être, un peu fort. Il a fallu tendre l'oreille pour entendre les airs, jusqu'au Non piu andrai de Figaro, interprété avec une certaine originalité par Luca Pisaroni mais qui pêchait par manque d'homogénéité entre les intentions de l'orchestre et celles du soliste. La mise en scène non plus ne s’est pas révélée à la hauteur des attentes dans ce premier tableau un peu trop statique où les chanteurs se retrouvaient souvent à interpréter leurs airs face à la rampe. Seuls les récitatifs, très bien théâtralisés, aussi bien musicalement que scéniquement, étaient porteurs des promesses que tinrent les actes suivants.

L’acte II contrasta nettement avec le précédent. Orchestre et solistes trouvèrent un équilibre nettement plus confortable à l’écoute et l’on put enfin profiter pleinement des qualités fe la distribution rassemblée par Nicolas Joël pour cette reprise. Barbara Frittoli ouvrit les festivités avec un Porgi Amor tout en délicatesse, aux aigus incroyablement légers et voluptueux.  Ce régal se poursuivit avec Voi che sapete interprété par Karine Deshayes qui fut étonnante de profondeur dans les graves tout en offrant un air attendrissant et vif.

L’acte III fut le moment de grâce de Ludovic Tézier  et Barbara Frittoli, campant un couple comtale vocalement parfait : timbres chauds, nuances subtiles et intelligence du texte.

Enfin, l’acte IV fut l’occasion d’apprécier une dernière fois Luca Pisaroni et Ekaterina Syurina en Figaro et Suzanne au jeu cabotin et aux voix à la fois jeunes et affirmées.

Les seconds rôles ne furent pas tous égaux mais on peut souligner la bonne présence scénique et vocale d’Ann Muray, offrant une interprétation désopilante de Marcellina.

La direction de Philippe Jordan, sans être exceptionnelle, rendait parfaitement toute la richesse des harmonies et des nuances mozartiennes tandis que la mise en scène de Giorgio Strehler, plus dynamique dans les trois derniers actes, tirait un très bon profit des effets comiques des récitatifs et laissait beaucoup d’espaces aux solistes pour s’exprimer dans leurs airs : parti pris franc mais sans lourdeur, ce traitement des personnages est très appréciable chez Mozart.

Finalement, seul le chœur a vraiment déçu : trop en retrait et plutôt insipide. Cela ne nuit pas vraiment à l’ensemble mais est quand même représentatif de l’impression générale qui se dégage de cette production : perfection musicale, sobriété scénique mais pas de petit grain de folie qui ferait de cet opéra une véritable « folle journée ».

Premier opéra de la saison lilloise, Dardanus, de Jean-Philippe Rameau était conduit avec brio par Emmanuelle Haïm tandis que Claude Buchvald massacrait le plateau avec une mise en scène d’un niveau intellectuel atteignant le vide sidéral.

Sur le papier, le spectacle s’annonçait déjà assez peu réjouissant. Dardanus s’appuie sur un livret de Charles-Antoine Le Clerc de la Bruère, inspiré de la mythologie romaine et l’argument n’est pas particulièrement excitant. Néanmoins, Rameau a écrit pour cet opéra quelques-unes de ses plus belles pages et le Concert d’Astrée nous avait déjà enthousiasmés de son interprétation de l’Orfeo de Monteverdi au Théâtre du Châtelet. La production de l’Opéra de Lille a alors caricaturé nos craintes et nos espoirs.

De l’argument pompeux et ennuyeux, Claude Buchvald a donné une mise en scène lourde et écœurante de niaiserie. Il en devient même difficile de sélectionner quelques exemples tant l’ensemble est raté et risible. On retiendra quand même la dernière scène pendant laquelle Dardanus et Iphise sont enfin réunis et ne trouvent rien de mieux que de chanter leur bonheur raides comme des piquets chacun à un bout de la scène. Puis ils réalisent soudain que plus rien ne les empêche de s’étreindre et ils s’embrassent avec des airs de poissons rouges découvrant l’océan tandis qu’une pluie de pétales les asperge de ridicule. Il faut aussi rendre hommage à la créatrice des costumes, Corine Petitpierre,  dont l’absolu mauvais goût devrait faire date dans l’histoire de l’opéra. Là encore, difficile de retenir un seul exemple mais je me force à ne pas trop vous donner la nausée en me limitant à la tenue de Vénus : une robe saumon et un châle bleu pisseux, le tout avec une forme de pièce montée mal cuite. Il n’y avait donc plus qu’une chose à faire : se concentrer sur la direction parfaite d’Emmanuelle Haïm et profiter d’une distribution, certes inégale, mais plutôt réjouissante. Ce sont surtout les hommes qui ont séduit mon oreille, à commencer par Anders J.Dahlin, époustouflant en Dardanus. Sa voix est indescriptible de beauté tant ses graves chauds et ronds rivalisent avec des aigus doux et purs : un délice léger et subtil. A ses côtés, Andrew Foster Williams (Isménor) et Trevor Scheunemann (Anténor) excellent dans les vocalises de Rameau et impressionnent par une diction sans reproche. Côté femmes, Sonya Yoncheva donne à entendre une Vénus très à l’aise dans les aigus et au timbre très agréable. Ingrid Perruche est moins convaincante en Iphise. Son interprétation est peu engagée et, personnellement, je n’apprécie pas beaucoup son timbre, surtout dans les aigus, et son vibrato.

Il fallait donc se concentrer sur la musique, autant pour en saisir toutes les subtilités et se laisser enivrer par l’esthétique ramiste que pour oublier au plus vite une mise en scène indescriptiblement laide.

Dardanus, de JP Rameau

était donné à l'Opéra de Lille jusqu'au 24 octobre et sera donné à Caen le s5 et 7 novembre 2009 et à Dijon  le s18 et 20 novembre 2009

Dirigé par Emmanuelle Haïm

Mis en scène par Claude Buchvald

Chorégraphie de Daniel Larrieu

Avec Ingrid Perruche, Anders J.Dahlin,  Andrew Foster-Williams, Trevor Scheunemann, Sonya Yoncheva, François Lis

Orchestre Le Concert d'Astrée

Dimanche 18 octobre, 17h, nous faisons notre rentrée au théâtre des Champs-Élysées où nous sommes invités par le directeur du Palazetto Bru Zane à la représentation en version concert d'Andromaque d'André Ernest Modeste Grétry.
Comme à l'habitude et même avec des invitations, nous rencontrons des problèmes avec nos places. La dernière fois, notre réservation n'avait carrément pas été prise en compte, cette fois une de nos invitations indique un fauteuil déjà occupé. Et comme nous sommes jeunes, l'homme qui se trouvait devoir partager sa place avec moi n'a pas bougé un pouce pour éclaircir la situation. Il y a fort à penser que si nous étions venus dans le cadre de notre abonnement jeune, plaider notre cause aurait été fastidieux mais le fait d'être invité et placé à la corbeille a joué pour nous et une aimable ouvreuse nous a simplement replacés... à la loge d'honneur.

Bref, nous avons ainsi pu profiter pleinement de la musique et du spectacle car même sans mise en scène, voir Hervé Niquet diriger le Concert Spirituel revient à assister à un numéro de cirque assez étonnant. C'était la première fois que nous voyions ce trublion en scène et autant dire que la surprise fut grande. Avec le Concert Spirituel, Hervé Niquet a réalisé de nombreux enregistrements de pièces baroques et j'en ai écouté beaucoup, acheté quelques-uns. Joués sur instruments d'époques, ces enregistrements m'ont toujours beaucoup plu par leur vivacité et leur grande expressivité quasi théâtrale. Or, ce soir-là l'image rajoutait à la musique et ce fut trop. L'exécution caricaturale des nuances et des accents par Hervé Niquet permet de rendre une écoute sur CD presque palpitante. Le voir gesticuler autour de son pupitre en s'agitant dans de grands mouvements chevaleresques, pourfendant l'air avec sa baguette brandie comme une épée devient en fait très vite très agaçant. A cela s'ajoutent des musiciens tout aussi gesticulants, surjouant leur inspiration. Le cocktail est écœurant tant cette gestuelle renforce une musique déjà caricaturée où il n'existe pas de nuance ni de subtilité. Et si l'on a pu apprécier la qualité des enregistrements, on apprécie ici le travail de mixage qui a du être fait pour les produire car, en concert, on assiste à une réalisation brouillonne par un orchestre parfaitement désaccordé. Pas une mesure ne s'écoule sans que l'harmonie en soit gâtée par des défauts immenses de justesse.
Il ne restait plus qu'à se délecter des solistes qui, heureusement, savaient insuffler de l'esprit dans ce torrent de grossièretés. Si Karine Deshayes m’a un peu fait peur en première partie car elle me semblait peu assurée, je l’ai trouvée très convaincante en deuxième partie, développant un beau timbre, très doux. Son interprétation était un peu timide mais cela la rendait aussi touchante. A ses côtés, dans le rôle de Pyrrhus, Sébastien Guèze s’est révélé en jeune ténor très prometteur. Sa voix vaillante et brillante était idéale pour ce rôle et son énergie régalait la partition. Maria Riccarda Wessling et Tassis Christoyannis faisaient figure d’aînés en Hermione et Oreste. Leurs timbres chauds et leur interprétation très engagée tout en étant ciselée furent un ravissement.

Au final, ce concert fut très applaudi par un public apparemment enthousiaste face à l’esbroufe de Niquet. Mais après tout, pourquoi bouder son plaisir face au charme tout à fait désuet d’un orchestre jouant le baroque à la mode des années 1950 dans un théâtre vieillot accueillant une bonne société sortie de l’ancien régime ?

Après une ouverture de saison en demi-teinte de sa saison par une version classique de la Flûte Enchantée, le Théâtre du Châtelet renoue avec une programmation surprenante en programmant une version africaine du même opéra : Impempe Yomlingo.

Imaginée en 2006 à Cape Town par le metteur en scène Mark Dornford-May, cette production réunit une troupe composée exclusivement de musiciens et de chanteurs noirs sud-africains. Tournant aussi bien dans les townships qu'à l'étranger, cette troupe s'approprie le répertoire européen pour le réinventer et en faire une œuvre africaine.
Lorsque l'on pénètre dans la salle, les artistes sont déjà sur scène, discutent et rient. Des deux côtés d'un plateau en parquet fortement incliné, 16 marimbas font office d'orchestre symphonique. Puis la lumière s'éteint et les musiciens prennent place derrière leurs instruments pour interpréter une version époustouflante de l'ouverture de l'opéra de Mozart. Avec étonnement, on s’aperçoit que les marimbas produisent une musique riche et pleine de nuance qui donne à la musique viennoise une couleur insoupçonnée. Puis rentre Tamino, poursuivi par un monstre qui crache de la fumée à travers les lattes du parquet. Il appelle à l’aide mêlant anglais et dialecte sud-africain et obtient le secours des trois dames de la Reine de la Nuit. Si la musique est scrupuleusement respectée, le livret s’éloigne largement d’une simple traduction de l’allemand. Les dialogues sont pleins d’un humour inattendus. Papageno raconte comment il a vaincu le serpent (c’est un mensonge bien sûr) : « First I was afraid, I was petrified ! » Les voix ne sont pas lyriques bien qu’elles cherchent à s’en approcher. Elles sont un mélange de soul et de gospel qui réchauffe les airs et surtout les ensembles, particulièrement rythmés et réjouissants. Dans un décor d’échafaudages qui rappellent un milieu urbain dégradé,  l’opéra se fait fable au service d’un idéal d’égalité entre l’homme et la femme, appelés tous deux à combattre le mal. Là encore le livret est réécrit pour effacer ses empreintes misogynes et dessiner un hymne à l’égalité. Loin de dénaturer l’œuvre, cette réécriture lui donne une portée nouvelle et vise d’autant plus juste qu’elle naît de l’histoire de l’Afrique du Sud, traversée par la question de l’égalité et de la rencontre parfois violente entre une culture européenne et une culture africaine.

La musique même est enjeu d’égalité puisque, si les rôles principaux sont tenus par des solistes, ceux-ci sont amenés aussi bien à prendre part au chœur qu’à l’orchestre. Dans ce bel ensemble, les voix des solistes ne retiennent d’ailleurs pas vraiment l’attention. Nobulumko Mngxekeza (Pamina) développe le timbre le plus lyrique de la troupe et émeut par une interprétation pleine de fougue. En revanche, Pauline Malefane n’a pas la voix taillée pour la Reine de la Nuit et ses accents lyriques ne parviennent pas à masquer de réelles difficultés à porter vocalement ce rôle. Mhlekazi Andy Mosiea interprète quant à lui un Tamino à la voix particulièrement claire et légère, un régal qui n’a rien de lyrique mais qui s’avère terriblement savoureux. Papageno (Zamile Gantana) est absolument désopilant tandis que Sarastro (Simphiwe Mayeki) impressionne par sa solennité et son charisme. Finalement, le seul véritable reproche que l’on peut faire à cette production est d’avoir raccourci l’opéra. D’une part, on aurait bien profité plus longtemps de cette excellente musique. D’autre part, on regrette franchement la suppression de plusieurs couplets dans quelques uns des airs les plus fameux de l’œuvre voire la suppression pure et simple de deux des plus beaux airs de Papageno et de Pamina.

Avec ce spectacle étonnant, le Châtelet conquiert un public de plus en plus varié qui montre un enthousiasme débordant au moment du salut final. Pour la première fois depuis 5 ans de fréquentation des salles lyriques parisiennes, j’ai vu un public debout pour acclamer une troupe tellement généreuse qu’elle a offert deux bis. Si les inhibitions du public d’opéra commencent à s’effacer, espérons que le mouvement s’amplifiera pour voir un jour les sièges voler tant l’envie de danser suscitée par ce spectacle était forte.

Impempe Yomlingo - La Flûte Enchantée 2

au Théâtre du Châtelet jusqu'au 18 octobre 10€ à 80€

Mise en scène : Mark Dornford-May

Direction Musicale : Mandisi Dyantis

Livret et Musique de Mandisi Dyantis, Mbali Kgosidintsi, Pauline Malefane et Nolufefe Mtshabe